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拍片,只要思想不滑坡,辦法總比困難

窮,是原罪。但,能夠有意思和創造性的拍片,這是我們應有的追求。


在過去幾年內,影視器材掀起了一場天翻地覆的革命,變得越來越好。但,不管它們變得多先進、多發達,一樣還是很“笨”。設備讓我們越來越省力,也可以讓我們拍的越來越多。但電影制作的關鍵永遠都是:你要曉得如何利用裝備,來表達自己腦中所想。


拍片最理想的狀態就是:預算、時間充足,劇本上每個場景描述清晰簡潔,故事板繪制的完美,不需要花力氣就能搞定分鏡頭和拍攝,剪輯時能立即說出如何拼接場景,導演非常清楚自己要什么,永遠不會改來改去。在片場大家都睡眠充足,工資也都很豐厚。


但,夢想很豐滿,現實很骨感。這樣的劇組,恐怕打著燈籠也難找到。拍電影,是制造一場夢,像變魔法一樣。從業者在現在條件下還愿意堅持這個行業,是因為對夢的熱愛,也是被這個魔法的過程吸引。但是種種客觀因素,有時我們會忘記這個過程,忘記制造夢的過程,本身也是一場樂趣。


最近在家,看了很多老片,說實話,有些電影效果,讓我很驚訝,所以就去查看了很多幕后。比如,非常經典的《安全至下》?!栋踩料隆肥?1923 年上映的無聲浪漫愛情喜劇,其主演男星哈羅德·勞埃德是與卓別林、巴斯特·基頓齊名的默片時代最有影響力的演員之一。影片中,勞埃德牢牢地抓住時鐘指針,身體懸在摩天高樓外墻,腳下則是川流不息的車水馬龍,這經典的一幕自此奠定了勞埃德在早期電影中的主角地位。



那個年代,既沒有綠幕方便后期摳像,也沒有能夠結合前景表演與事先攝制好背景的背面投影技術,勞埃德當然必須親自上陣。劇組在街邊高樓的屋頂上搭建場景,時鐘下方有保護措施。通過調整鏡頭的角度,造成勞埃德真的懸掛在高空的假象,產生一種驚險的觀感。


還有《摩登時代》。喜劇之王卓別林在他最著名的作品《摩登時代》中也利用過一些特別的方法達成類似的效果。只不過,他采取的是一種名為“接景”(Glass matte painting shot)的手法。


電影中,他腳踩旱冰鞋,在百貨公司里翩翩起舞。當滑向邊緣的時候他緊急剎車,身子微微后仰,險些從二樓墜落。



但實際上,卓別林并不是真的身處如此險境,讓恐高癥患者一看便心驚。作為背景的樓層已經事先用顏料或者水彩繪制在玻璃上,然后再將玻璃置于鏡頭之前,通過光學方法與原始鏡頭進行合成。



總而言之,欺騙你的不是眼睛,而是攝像機巧妙的構圖方式。


《一個有點像灰姑娘的故事》默片時代的美國甜心柯麗恩·摩爾曾在《一個有點像灰姑娘的故事》中實力秀了一發“眼技”。成片之中,她的左右雙眼可以各自轉動,仿佛是身體內部的獨立個體。



但實際上這是通過遮攝手法,對女主角的左右臉分別進行拍攝。也就是說,鏡頭前方需要有一塊黑色玻璃,對左右臉頰分別進行遮擋與拍攝,最后再將兩個畫面“縫”起來。拍攝這個畫面的關鍵是演員和書都不能移動半分。



摩西用手杖分開大海的《十誡》,這部電影的經典不需要多講。


在塞西爾·德米爾所導演的初版《十誡》中,這位天才導演為了重現這一經典場景,特意將水倒入明膠模具之中,在窄小的鏡頭畫面里營造出“海洋”的觀感。在成片之中,德米爾選擇將這組鏡頭倒放,讓它看上去就像水流奔騰而出。



《黑海盜》中,主角用刀子從船帆上滑下的鏡頭沒有使用任何電腦特效,多虧了工程師動用了智慧才實現了這一鏡頭。



 

《福爾摩斯二世》男主自駕摩托車過橋的刺激片段。



用了雙重曝光(double exposure),用一個黑色物體擋住影像的一部分,這樣就不會暴露被擋住的部分,然后將膠片卷回去,重新拍攝該場景,露出被遮擋的部分。



還有《Sh!The Octopus》,演員在無剪輯的狀態下經歷了從正常到邪惡的迅速轉變。手法是先為角色畫上紅色的妝容,拍攝時打上紅光。在黑白攝影機拍攝時紅色的妝容無法顯示出來。拍攝過程中把紅光轉變為藍光,這時紅色的妝容在黑白顯示下就會轉換成黑色。



《海王》,電影中黑蝠鲼戴著頭盔說話的音效是演員腦袋在垃圾桶里搞出來的……


還有很多叫不上名字的劇組工作照:



只看這些圖,有沒有感覺很有趣,有沒有被這些智慧感動到。(PS:能夠更高效的解決問題,才是我們追求的,所有的辦法不是可以不給預算的借口。這些辦法也有可能會讓你在其他方面有更多的損失——這句話給制片聽的)


有趣,歸有趣,還是想講一些實在的,看到中國剪輯師社群周六的直播預告,其實想說《過昭關》還蠻是一個例子的。半個月寫完劇本,38天完成拍攝,預算成本僅為40萬。



你別以為這就是一部“粗制濫造”的國產片,它獲得了第二屆平遙國際電影展費穆榮譽最佳導演和最佳男演員。還被國內多位知名影評人共同評選為“迷影精神賞”年度推薦影片,打敗了《過春天》《四個春天》《柔情史》等片。


一部電影需要劇本、投資、團隊,身兼制片人和導演的霍猛將工作一項項落實。劇本對他來說不算困難,他花了半個月的時間,將此前積累多年的故事傾瀉到紙面上。


隨后他開始找投資。和許多青年導演一樣,投資不那么好找?;裘妥铋_始的計劃是:輕型劇組,三五十人,團隊希望好一些。但組建起這樣的團隊也不容易,至少,在短期之內并沒有什么出路。


找不到投資怎么辦?第二條路:借錢。


對于年輕導演來說,借錢也是計劃之一。能借多少錢?成本因為投資需要壓縮到多少?哪些部分可以被壓縮,哪些部分則需要保留?在張口向任何人謀求資金幫助之前,霍猛心里積累了厚厚一沓賬本。



2017年的8月份,霍猛算清楚了心里的那本帳,人員、資金,悉數到位,《過昭關》開拍。

 

小成本影片,親朋好友齊上陣是常態?!哆^昭關》的攝影師和執行導演都是霍猛在大學里認識的師弟,關系好到“沒拿錢就來了”。錄音師是霍猛仔細找來的人,跟過很多大組,有非常豐富的現場錄音經驗。除此之外,還有一個跟機員,一個跟組剪輯,剩下的人員全由老家的兄弟來做制片,大略數來,不過十來個人。


他們選了從周口到三門峽的公路做拍攝地,一千華里,有山,有水,有路,有橋?;裘秃蛿z影師開著車沿著公路走了幾圈,一路上都在探討,這個環境能不能完成他們在影片造型上的要求,更重要的是,“能不能達到一個比較好,標準高一些的院線電影要求”?!啊哆^昭關》人員少,沒有燈光,所以在選擇的時候,就考慮通過自然光線來造型。每場戲大概在什么樣的時間拍合適,什么樣的光線效果是對的,我們做了很多這樣的探討?!?/p>


在拍攝時,他沒有刻意地控制拍攝時間:“成本壓縮到最低,每天的開銷也算得出來,就那么多錢,所以時間也沒必要控制得過于精確。當然,會有個大致的范圍,30天到45天之間?!?/p>


一部影片的成敗,很多時候取決于導演對影片的掌控?!耙欢ú荒軌嚎s,壓縮就肯定不對。哪怕說今天拍十個小時,十二個小時,就可以把拍攝時間壓縮到20天,也一定不要這么做?!痹谂臄z現場,霍猛的團隊每天堅持拍攝八到十個小時?!皶r間上要抻得夠長,因為只有時間上抻得夠長,你拍攝時思考的東西才會更多。具體到影像的標準和表演上,才會更加細致,要有意識地把時間抻得長一點?!?/p>


因為場景需要,影片在夏天拍了35天,秋天拍了兩天,冬天又拍了一天,霍猛介紹,“聲音部分大概占了總投資的40%,因為要上院線,技術就得達標”,拍攝現場的麻煩事也不少,比如雨戲不多,但總是碰到下雨天,他并不著急,因為時間充裕,也沒有任何壓力,

 

“這是一種很沉著、很自由的拍攝方式,有問題慢慢解決,演得不夠好,改天再拍一次,光線不對,就等光線好的時候再拍?!薄澳悴荒艽驘o把握之仗,不能只有50分的能力,非要去做一件100分的事情,另外這也讓我了解到一部電影制作的全部流程,所以拍《過昭關》的時候,就知道該如何保證一部影片的基本質量?!?/p>



如果按照工作方式分,導演分成兩種:一種是資料搜集型的導演,另一種叫做剪輯型的導演。前者往往是大拍特拍,后期再來解決素材;后者則是知道自己要什么,會在拍攝過程中加入剪輯思維。其實在剪輯階段,很多時候會發現一部片子在很多地方現場是可以不用那樣來拍的,以及有哪些部分在現場一定是必須要拍的。如果有了剪輯思維,所以在現場就知道怎么提高效率。知道怎么去引導演員表現出最需要的這種東西,而不是在現場要把這場戲的每個角度都要盡善盡美的拍一遍。以及,如果導演不把好的鏡頭給到剪輯,剪輯師也沒有辦法剪出好的作品,因為他無法改變你原本就沒有拍好的鏡頭。


而這更多的是來自創作者日常的訓練,霍猛導演說:“我本科時就看過很多藝術類專業同學拍出的短片,覺得也不過如此,我也可以拍。后來用DV我拍過各種各樣的短片,是在訓練自己的電影語言,訓練自己剪輯等各方面的能力?!?/p>


戈達爾說:決定每一個鏡頭為何開始,因何結束,就是電影本身。所以剪輯的意義無需贅述。正如拍攝并非拿著故事板在現場呆板地依葫蘆畫瓢,剪輯的過程也不是拿著場記單和劇本進行的機械化拼接,而是一個二次創作的過程。


而霍猛導演是如何訓練這些技能,又如何看待剪輯,以及實現自我成長的,我非常好奇。另外聽說霍猛的下一部電影制作體量將會變大,所以也期待導演的更多分享。


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